El Paradero Cultural: Aquí me bajo

El Paradero Cultural es un espacio independiente en el distrito de Lince © | Difusión

Artículo escrito por Manuel Orbegozo

Minimalista como un lienzo en blanco, El Paradero pretende ser el baluarte para artistas independientes que buscan un espacio donde experimentar en equipo. Ubicado en el distrito de Lince, El Paradero es una metáfora de la creación artística, un laboratorio y también un punto de partida. “Aquí los artistas pueden reunirse, conocerse y conectar”, señala Henri Quispe, fundador y gestor del proyecto.

La visión de Quispe, diseñador gráfico autodidacta, fue utilizar cada uno de los cinco espacios de la primera planta para distintas actividades. El Paradero cuenta con una sala de proyección —Quispe sueña con la idea de un cineclub—, un escenario equipado para conciertos, teatro y micro-libre, un bar y dos salas estilo lounge para muestras.

En 2012, Quispe y Miriam Alvarado, su novia y socia, compraron la casa como residencia. A comienzos de 2016, Quispe ya germinaba la idea de utilizarla como un espacio cultural. Durante 10 meses remodeló la casa y en noviembre inauguró El Paradero como un proyecto autofinanciado. Desde entonces, El Paradero se ha llenado de sikuris, de proyecciones de Transcinema, talleres de verano para niños y adultos, muestras de fotógrafos independientes y conciertos de músicos como Rafo Ráez y Riber Oré, este último recientemente condecorado por la UNESCO.

“Las últimas veces que hemos tenido eventos, mucha gente se ha sentido identificada porque no muchos espacios te ofrecen ese sentido de comunidad”, afirma Quispe. “Es un lugar no institucionalizado”.

Creación colectiva
Uno de los eventos más memorables fue la actividad pro-fondos para cubrir los gastos de la cirugía ocular del fotoperiodista Marco ‘Atoq’ Ramón, quien a mediados de enero sufrió el disparo de un perdigón en el ojo izquierdo mientras cubría una manifestación. Al evento asistieron amigos, colegas y demás colectivos de artistas que pusieron a la venta sus obras para salvarle la vista al “zorro ladrón de gallinas”. Actualmente, la gigantografía de una de las fotos tomadas por Ramón decora la fachada del local.

Quispe busca que El Paradero sea una opción alternativa a los puntos artísticos convencionales como Barranco y a la vez un espacio donde artistas conocidos y emergentes se apoyen mutuamente, en sinergia.
Crear, promover e impulsar. Bajo estos principios, El Paradero seguirá consolidándose como un centro comunitario y multidisciplinario indispensable para el arte colectivo e independiente en Lince.

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Mariana de Althaus: “Hay una sed de verdad en el público de teatro”

Mariana de Althaus, dramaturga peruana | © Manuel Orbegozo

Entrevista realizada por Manuel Orbegozo

Mariana de Althaus regresa al teatro testimonial en Pájaros en llamas, obra que reúne las historias reales de los actores Fernando Verano y Marisol Palacios, quienes, tras haber perdido a seres queridos en accidentes de aviones, deben reconstruir su identidad a partir del duelo. Alejándose del tema doméstico de sus otras obras testimoniales, De Althaus hace una viraje radical hacia zonas más complicadas para tratar temas dolorosos y latentes en los actores.

¿Por qué historias basadas en muertes repentinas?
Es una excusa para hablar de la pérdida, de la reconstrucción de la identidad a partir de ese dolor. Hablo sobre accidentes de aviones porque Fernando [Verano] me trajo esa historia y me pareció tremendamente conmovedora y a la vez llena de preguntas sobre las que trabajar. El teatro testimonial suele abordar temas más políticos. En mi caso, he tratado temas domésticos que tienen que ver con la crianza. Esta obra era hacer un viraje radical hacia otras zonas mucho más complicadas para tratar en una obra de teatro testimonial.

Debe ser difícil actuar la historia de uno mismo.
Es el riesgo de hacer obras de teatro testimonial con temas tan dolorosos. Hay una cuota de adrenalina. Hemos tenido que buscar recursos escénicos que les permita a los actores referirse a esas historias de una manera no tan expuesta. Reta nuestra creatividad y flexibilidad para contar las historias sin que sea un desfile pornográfico de emociones.

¿El teatro testimonial logra una conexión especial con el público?
Hay una sed de verdad en el público de teatro. Se consume ahora mucha creación artística con una base real. La no ficción, la performance y la representación siguen funcionando. Para un público masivo, el testimonial va directo a una emoción, tiene una capacidad tremenda para que el público se identifique.

¿Esta obra es terapéutica?
Para los actores lo es y para el público también. Todo el teatro puede ser terapéutico. Muchas obras de arte pueden tener esa capacidad de sanación en el sentido que te hacen mirar a tu mundo interior de una manera diferente y acercarte un poco más al conocimiento.

¿Qué falta resolver en Pájaros en llamas?
Estamos en ese camino de cómo contar estas historias sin que sea un desgarro. Todo el tiempo estamos en esa cuerda floja, con la solemnidad o lo insoportable del dolor a un lado y la banalización al otro. Es alucinante y a la vez aterrador.

¿Hay duelos para toda la vida?
El duelo tiene que acabar, tiene una duración. Para Marisol [Palacios] y Fernando el sentido de esta obra es acabar con su duelo. No significa olvidar, uno nunca olvida. Significa aprender a vivir con esa herida para que esté relativamente cerrada.

Pájaros en llamas se estrena el 4 de mayo 2017, en el Teatro del Centro Cultural PUCP. La temporada va hasta el 10 de julio, con puestas en escena de jueves a lunes a las 8 pm. Precio de entrada: General S/55; Estudiantes S/25; Jubilados S/30; Lunes Populares S/40.

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‘¿Qué tiene Miguel?’: Una comedia que nos enfrenta al racismo

© Difusión

El humor es una herramienta eficaz para hacer crítica social. Con risas, es más fácil meter el dedo en la llaga y limar asperezas. Es una fórmula ancestral, que la humanidad ha practicado desde que aprendió a contar historias. Nos reímos de nosotros mismos y, al mismo tiempo, eso nos asusta. Porque la reflexión llega después, una vez que empezamos a digerir todas esas bromas cargadas de significado. Es entonces cuando a la mayoría le empieza a doler esa boca que hasta hace un rato parecía feliz, saciada de tanto reírse a carcajadas. Hasta que al final se nos queda cara de tonto.

La obra de teatro ¿Qué tiene Miguel? sabe manejar muy bien estos recursos. Escrita por Cesar Vera, joven dramaturgo cuzqueño que por este texto ganó el segundo puesto en el Concurso Nacional de Nueva Dramaturgia Peruana 2016, ¿Qué tiene Miguel? es una historia que, a medio camino entre el esperpento y el drama costumbrista, sabe moverse en la cuerda de floja de los géneros para hacernos reír y hacernos reflexionar sobre una de las principales lacras de nuestra sociedad: el racismo y la intolerancia hacia el otro, hacia el que es distinto.

Encontramos así muchas lecturas en un libreto que, a pesar de que fluye ligero y busca continuamente robarle una sonrisa al espectador, trata de visibilizar las dificultades que tienen aquellos que reivindican una identidad no convencional, y que por tanto vive amenazado por el rechazo y la exclusión social.

Para ello, la trama tiene una premisa que claramente apela al teatro del absurdo: de un día para otro, un veinteañero de clase media limeña convoca a su familia para confesar que ha decidido salir del closet de la ‘choledad’, y se declara cholo. Esto provoca un cisma dentro de la familia, en el que los prejuicios clasistas y la incapacidad para entender la nueva identidad de Miguel servirán para armar una historia que funciona con la lógica del espejo, y hará que el espectador se replantee hasta qué punto la sociedad peruana es inclusiva y tolerante. Porque, como ha dicho Fito Bustamante, director de esta puesta en escena, aquí la pregunta no es qué tiene Miguel, sino más bien: ¿Qué tenemos nosotros? Esa es la pregunta que debemos resolver.

¿Qué tiene Miguel? va hasta el 30 de abril 2017, con funciones de jueves a domingo a las 8 pm, en el auditorio del Centro Cultural Ricardo Palma.

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X Festival Internacional del Cajón: Conoce toda su programación

Festival Internacional del Cajón | © Red Frame

Lo que hace 10 años era solo un sueño para el músico, actor e investigador Rafael Santa Cruz, uno de los principales promotores de la cultura afroperuana en el Perú, ahora es una incontestable realidad. El Festival Internacional del Cajón (FIC) cumple su décimo aniversario, lo que es una fiesta para la música criolla y para la ‘negritud’ peruana, que gracias a este certamen cargado de actividades culturales se reivindica dentro de nuestro país y encuentra un fantástico escaparate para proyectarse al resto del mundo. Rafael Santa Cruz fundó, junto a su esposa Julie Guillerot, este festival.

En sus 10 años de trayectoria, el FIC ha prosperado con gran popularidad, y este año llega nuevamente con una programación que ofrece clases maestras, conversatorios y conciertos con músicos nacionales y foráneos, exposición de cajones intervenidos artísticamente, talleres para niños y la Gran Cajoneada en el criollísimo Rímac.

La Gran Cajoneada (29 abril, a las 10 am) será acompañada de una feria especializada en torno a las industrias de la percusión, la música y el legado afrodescendientes; de una feria de comida y de una serie de conciertos con bandas nacionales e internacionales. El broche final para esta fiesta musical será el concierto de gala en el Gran Teatro Nacional (30 abril, a las 8 pm) con todos los artistas invitados al encuentro.

El conjunto de las actividades del FIC se realizarán en el Rímac, regresando de esta manera al barrio afroperuano más antiguo de Lima y cuna del cajón, dándole una visibilidad sin precedente y permitiendo que se (re)conozca su valioso aporte a la identidad y cultura afro y peruana. Otra importante sede del FIC será el CEE Lima, donde se celebrarán clases maestras, conciertos, proyecciones y conversatorios.

X Festival Internacional del Cajón va del 27 al 30 de abril 2017, con actividades en diversos puntos de la ciudad.

PROGRAMACIÓN COMPLETA

 

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Como la pintura: MALI presenta exposición sobre el retrato fotográfico comercial en el Perú

Retrato de pareja, 1960-1980. Fotografía adherida a tela, iluminada a la tiza pastel y al óleo © Estudio Bromo Óleo, Lima

El MALI, Museo de Arte de Lima, ha inaugurado una exposición dedicada a la historia de la foto-óleo en el Perú. Los retratos en foto-óleo, conocidos popularmente como ‘monos’, están realizados a partir de una fotografía que es cubierta por capas de pintura, en un resultado artístico híbrido.

La técnica de la foto-óleo surgió con los orígenes de la fotografía, a mediados del siglo XIX, cuando era usual contratar a pintores para dar vida a las imágenes en blanco y negro. De esta forma también se buscaba acercar a la fotografía (considerada por entonces como un oficio mecánico) al prestigio de las bellas artes. En varias de estas obras, la superficie fotográfica desaparece completamente bajo una densa capa de pintura, con un resultado híbrido que permitió combinar el realismo fotográfico con la idea de lo artístico.

La muestra nos acerca el desarrollo inicial del género en estudios fotográficos como Vargas Hermanos de Arequipa o la Fotografía Courret de Adolfo Dubreuil en Lima. Estos prestigiosos establecimientos contrataban a artistas de la importancia de Juan Manuel Figueroa Aznar y Teófilo Castillo, quienes se dedicaban a pintar retratos fotográficos de gran formato para la gran burguesía urbana.

Aunque la foto-óleo fue perdiendo prestigio a medida que avanzaba el siglo XX, ganaría en contraste una mayor popularidad entre sectores mucho más amplios, hasta convertirse en una constante de la cultura visual peruana. En efecto, por su producción masiva, los retratos fotográficos pintados al óleo contribuyeron a consolidar un capítulo clave en la historia del retrato, y que además, han permitido preservar los rostros y las aspiraciones de diversos grupos sociales del país. 

La exposición Como la pintura se podrá visitar en Sala de fotografía Juan Bautista y Carlos Verme del MALI todo el año 2017, de martes a domingo de 10 am a 7 pm (sábados hasta las 5 pm). 

+ info: PRECIO DE ENTRADA

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